Le film “Akelarre” de Pablo Agüero, un brulôt féministe?

Je commence cette chronique en reconnaissant mon manque de connaissances cinématographiques pour traiter de ce film de manière technique pertinente. Toujours est-il que la potentielle grossièreté que certains dans leurs critiques ont pu associer à Akelarre, celle des plans, des mouvements de caméra mais surtout celle du sujet et de son traitement, allant jusqu’à l’étiqueter ignominieusement de « brulôt féministe », ne me semble pas du tout fondée. Et j’aimerais ici revenir sur mes impressions personnelles pour tenter d’y dégager rapidement les qualités de sa forme tout comme celles de son fond.

File:Akelarre.jpg
Le Grand Bouc – Francisco de Goya

“Akelarre” est le mot basque pour désigner, en dehors de son sens premier judaïque, un rituel de sorcellerie, et fait référence plus précisément au Sabbat, popularisé comme une assemblée nocturne de sorcières au Moyen-Âge.

Le récit se passe au XVIIème siècle, dans un village sur la côte basque, à la frontière des falaises. Un groupe de jeunes filles est arrêté par l’inquisiteur Rostegui qui les accuse de sorcellerie et les enferme pour passer au crible leur pensées, leur comportement, leur existence, afin d’établir leur supposé rapport au diable et comprendre les rituels sataniques pour les faire disparaître. Pablo Agüero a réalisé son film en s’inspirant de la chasse aux sorcières menée par un magistrat français, Pierre de Lancre qui, sur ordre de la couronne, a torturé et tué de nombreuses femmes accusées de sorcellerie. Plusieurs écrits ont été faits attestant de cette activité de jurisprudence démoniale à laquelle il s’adonnait et il reste encore aujourd’hui une des figures connues de la chasse aux sorcières.

Le film s’ouvre directement sur un bûcher en feu, avant toute contextualisation et avant que les protagonistes n’apparaissent. C’est un bûcher que l’on devine à travers les flammes, aucune référence temporelle ni spatiale ne peut être identifiée ce qui généralise subtilement l’exemple que le film met en scène.  “Atroz” est le premier mot prononcé. Il donne le ton et annonce le sentiment permanent d’injustice et d’angoisse des protagonistes et de l’auditoire. Il fait sortir le spectateur dès les premiers plans du film d’une torpeur anticipée, il pique sa curiosité, le rend actif instantanément.

S’il est certain qu’on ne peut pas échapper au sentiment de gêne pendant le film et qu’il est difficile de ne pas détourner le regard au vu des nombreuses scènes de violences physique et psychologique, sa photographie est belle et ironiquement ensorcelante, et je tiens à souligner qu’on peut apprécier de voir ce film ne serait-ce que pour l’effort esthétique de la production.

La sexualisation de la femme et sa condamnation :

« Ce n’est pas de ma faute si dès qu’on parle de femmes, on pense immédiatement au sexe » – Simone de Beauvoir

Pour aborder ce thème, qui est un leitmotiv important du film, je vais essayer de revenir sur une des scènes qui l’illustre le mieux, soit l’interrogatoire de la protagoniste Ana mené par Rostegui.

Cet interrogatoire vise à comprendre les rituels de sorcellerie d’une jeune femme accusée d’être le suppôt du diable, soit d’une victime qui semble condamnée d’avance. Seulement, l’inquisiteur avoue rapidement que ni lui ni personne n’a jamais vu de sabbat. Cet aveu devient dès lors une preuve d’arguments forcés et basés sur des principes religieux, sociétaux et sexistes chancelants : il met en lumière la condamnation d’un « envoûtement » qui n’est effectif que par le prisme de l’ecclésiastique, un homme qui s’est construit sur la base d’une moralité biaisée. Ana est une sorcière parce qu’elle est séduisante (c’est un rapprochement facile mais qui n’est pas dénué de sens), sa beauté et sa jeunesse sont notamment les critères essentiels de sa sélection et Rostegui va peu à peu la désirer ardemment. Une certaine vision fantasmagorique de la femme s’élabore par le « male gaze » du film, par la caractérisation du personnage de l’inquisiteur, un homme pervers dont la folie vient en partie de sa libido réprimée, de son sentiment de domination et de ses croyances alambiquées.

Chaque geste de la protagoniste est passé au peigne fin, à la vue de ses jambes ouvertes Rostegui lui reproche une position obscène, son sourire devient une preuve de sa perversion et j’en passe. On ne peut s’empêcher d’y voir un clin d’œil à la condamnation presque automatique des femmes victimes, notamment l’argument des vêtements portés par les victimes de viol. Dans ce film, le réalisateur dépeint la perception d’un homme qui calque ses croyances et ses frustrations sur le comportement de la femme, soit sur ce qu’il suppose être une provocation sinon sexuelle au moins sensuelle d’une adolescente en réalité apeurée et en position d’infériorité. Ici le manichéisme de la situation ne me semble pas être un tour de force pour faciliter la lecture des évènements, ou évoquer des poncifs de l’engagement féministe, il montre juste l’aberration que l’on trouverait aujourd’hui cocasse de quelque chose qui a réellement existé. Le traitement « grossier » de ce sujet pourrait permettre de dénormaliser des comportements contemporains plus subtils mais toujours dérangeants et qui restent des échos de ces stigmas passés. L’érotisation systématique de la femme est traitée dans le film de manière brute, soit, mais c’est peut-être pour qu’apparaissent en filigrane tous les questionnements moins déductibles qui gravitent autour et font partie aujourd’hui d’un sexisme intégré. On peut aussi évoquer l’association que fait Rostegui de la sorcellerie à l’épidémie de danse qui a eu lieu dans le récit quelques années plus tôt, insistant sur le danger d’une femme qui prend possession de son corps et qui vit sa corporalité de manière active.

On peut y voir de nombreuses résonances avec les écrits féministes de ces dernières années, qui font de la chasse aux sorcières le fer de lance de leur lutte (on pourrait citer l’ingénieux essai de Mona Chollet Sorcières [1]), puisque le film est avant tout la mise en scène d’un juge terrorisé par la liberté individuelle et le danger d’un pouvoir relevant de l’altérité et qui tente par le mythe de la sorcière d’abroger la prise de conscience de l’égalité de genre.

Le Sabbat des sorcières – Francisco de Goya

« En voulant annihiler l’humanité de l’autre on annihile la sienne » – Pablo Agüero

La fin est une belle revanche. Le sabbat mis en scène par le groupe de jeunes femmes, qui deviennent sorcières pour se sauver, devient effrayant au moment où l’inquisiteur y prend part. Au centre de la danse, il se fond presque avec les flammes et devient une transfiguration du diable, un bouc enragé, et l’on y verrait presque une inter-iconicité avec la célèbre peinture de Goya Le Sabbat des sorcières si cette scène du film n’était pas caractérisée par le chaos chantant du numéro des protagonistes, s’opposant ainsi au calme du tableau. 

Le film se ferme sur la disparition des sorcières au bord de la falaise, on ne les voit ni sauter, ni se faire arrêter, ni voler: l’interprétation reste libre. Cette disparition peut être perçue comme une démonstration de magie mais elle est avant tout un symbole d’émancipation, de libération, d’espoir voire de victoire.


[1] CHOLLET, Mona, Sorcières. La puissance invaincue des femmes, Éd. Zones, Paris, 2018, 229p.

Emma CUOMO

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