Francisco de Goya y Lucientes

Présentation générale de l’artiste

Francisco de Goya y Lucientes (né en 1746 à Fuendetodos et mort en 1828 à Bordeaux) était un artiste espagnol important du XVIII^ème siècle. Son œuvre est particulièrement dense, en raison de sa longévité, exceptionnelle pour l’époque (82 ans). Sa production artistique accorde beaucoup d’importance au contexte de son époque : Goya est un “témoin” de l’Espagne de la fin du XVIII^ème et du début du XIX^ème. Il débute sa formation artistique auprès de José Luzán (1710-1785), et la poursuit aux côtés de Francisco Bayeu Subías (1734-1795).

Goya était un homme ambitieux : il voulait réussir en tant qu’artiste, et le poste le plus prestigieux pouvant être atteint par un peintre est alors celui de premier peintre de cour (primer pintor de cámara). Pour l’atteindre, il épouser la soeur de Bayeu, un peintre reconnu à la cour d’Espagne (il ne s’agit pas d’un véritable mariage d’amour, mais plutôt d’un “stratagème” pour entrer à la cour). Il tentera également de reproduire plusieurs œuvres de Diego Velázquez (1599-1660), comme par exemple Las Meninas, dans l’idée d’attirer l’attention. Un autre de ses objectifs est d’intégrer la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, ce qu’il parviendra à faire grâce à son tableau Cristo crucificado (1780).

Son entrée à la cour du roi Charles III fut un grand succès¹. La position de Goya comme peintre à la cour espagnole se renforce davantage sous le règne de Charles IV, puisqu’il devient premier peintre de cour en 1799, et bien qu’il n’aie plus les faveurs de la cour pendant le règne de Ferdinand VII, il restera tout de même peintre de cour.

La vie de Goya permet de rendre compte de la vie d’un artiste à cette époque. En effet, durant cette période, les artistes vivaient dans la crainte de l’Inquisition, qui contrôlait et censurait les œuvres qu’elle jugeait “subversive”. Par ailleurs, l’Inquisition apparait plusieurs fois dans la production de Goya, mais de manière plus discrète².

Goya, un peintre aux multiples facettes

On peut considérer Goya comme un peintre multiple. Tout au long de sa carrière, il abordera dans ses œuvres de nombreux thèmes et de nombreux genres. On peut en relever deux particulièrement importants. Le premier serait la peinture religieuse. Cette première étape correspond principalement à ses débuts à Madrid : en effet, Goya fut chargé de la réalisation de plusieurs œuvres destinées à des lieux de culte, comme par exemple la Basilique Royale de San Francisco el Grande à Madrid, où il réalisa une partie de la décoration de la basilique, dont l’œuvre intitulée San Fernandino de Siena predicando ante Alfonso V de Aragón (1783), ou encore dans la Basilique de Nuestra Señora del Pilar à Saragosse, où il participa à la réalisation de l’une des coupoles du bâtiment.

Autre genre pictural que Goya a abordé, celui du portrait, qu’on peut lui-même diviser en deux catégories. La première correspondrait aux portraits de nobles et autres personnages importants de l’époque. En effet, il était courant à l’époque pour les membres de familles importantes de commander aux artistes leurs portraits. L’objectif d’un portrait, en général, est de commémorer la réussite et de s’assurer une “postérité” dans le temps. L’autre catégorie de portrait serait le portrait royal (retrato regio). A cette époque, l’art est au service du pouvoir, peu importe la discipline artistique: sculpture, peinture, médaillon, gravure… Ces portraits permettraient à la fois l’identification des personnes représentées, et la présentation de leur descendance (surtout dans le cas des familles royales). Ils offraient un moyen de se distinguer tout en se présentant comme un modèle à suivre³…

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Une pratique courante de l’époque, qui concerne principalement les portraits royaux, était los retratos emparejados. Il s’agit pour l’artiste de produire deux œuvres distinctes mais qui fonctionnent ensemble⁴. C’est le cas des deux tableaux ci-dessus, Carlos IV vestido de cazador et María Luisa de Parma con mantilla.

Los autorretratos (Les Autoportraits)

Goya aimait se peindre lui-même, ce qui explique que sa production comporte de nombreux autoportraits. Dans ces œuvres, on peut voir que Goya regarde généralement le spectateur, comme si ce dernier était présent dans la pièce au moment où il était en train de peindre. On peut voir la détermination de Goya dans son regard sur nombre de ses autoportraits.

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Los Caprichos (Les Caprices)

Los Caprichos correspondent à une série de 80 gravures à l’eau-forte et aquatinte. L’objectif de Goya était de dénoncer les vices de la société de la fin du XVIII^ème siècle. On y remarque la présence de thèmes récurrents tels que le comportement amoral des hommes d’église, la prostitution, le mariage arrangé et inégal, l’éducation des enfants, l’Inquisition… De la même manière, on observe que de nombreux personnages sont eux aussi récurrents, comme la figure de l’entremetteuse, de la jeune fille ou celle du moine.

Cette série de gravures peut se diviser en deux parties, la première étant plus réaliste que la seconde. On peut le voir dans sa manière de représenter les personnages, les visages sont plus réalistes dans ses premières gravures que dans ces dernières, même si les traits de certains personnages restent cependant exagérés.

Les Caprichos sur la prostitution

Sur la plupart des gravures appartenant à cette catégorie, on peut retrouver le personnage de la prostituée, souvent jeune et plus ou moins dénudée, ainsi que celui de la vieille femme au visage déformé, qui serait l’entremetteuse. Les hommes sont parfois eux aussi présents, sous des traits déformés ou encore représentés comme des animaux.

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Les Caprichos sur le mariage

Ces gravures représentent souvent une jeune fille, qui se prépare à épouser un homme beaucoup plus vieux qu’elle. Là où la jeune fille a un visage relativement enfantin, les hommes, eux, sont représentés sous des traits difformes, avec un air presque bestial.

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Les Caprichos sur le comportement des ecclésiastiques

Ces gravures ne sont en aucun cas une critique de la religion elle-même. Ce que Goya décrit, c’est avant tout le comportement des hommes d’église qui, selon lui, sont pleins de vices. On les reconnait facilement part leurs vêtements (ils portent souvent une soutane), et leurs visages sont généralement difformes, ce qui permet à Goya de souligner la présence de ces vices.

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Las Asnerías (Les Âneries)

Las Asnerías correspondent à une partie des Caprichos (gravure 37 à 42). Leur nom vient du fait que Goya utilise l’âne pour critiquer les professions intellectuelles (professeurs, médecins…), mais aussi la noblesse qui exploite le peuple. L’âne étant considéré comme un animal idiot, la critique en est d’autant plus forte.

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Goya et la Guerre d’Indépendance Espagnole (1808-1814)

Los Desastres de la guerra (Les Désastres de la guerre)

Los desastres de la guerra sont une série de 82 estampes, produites entre 1810 et 1815. Elles ont pour objectif de dénoncer la violence qui a frappé l’Espagne lors de la Guerre d’Indépendance (1808-1814). De la même manière que pour les Caprichos, on peut observer la récurrence de plusieurs thèmes, comme la famine ou la violence de la guerre. Même si ces estampes sont clairement liées à la Guerre d’indépendance de 1808, elles sont également une critique de la guerre en général.

La famine

Dans cette catégorie d’estampe, on peut retrouver des personnages d’une extrême maigreur, aux visages creusés, qui ressemblent presque à des cadavres.

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La violence

La violence est présente dans la presque totalités des Desastres, mais elle est d’autant plus frappante dans certaines. On y retrouve des cadavres, des orphelins, des hommes fusillés et des scènes de viol.

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El dos y el tres de mayo de 1808

El dos de mayo de 1808 et El 3 de mayo de 1808 sont deux œuvres complémentaires, réalisées en 1814. En 1808, sous prétexte de vouloir envahir le Portugal, Napoléon Bonaparte (alors Empereur des Français) s’installe dans la péninsule ibérique avec ses troupes. Il forcera le roi Ferdinand VII à abdiquer et confiera le trône de la monarchie espagnole à son frère, Joseph Bonaparte, qui deviendra le roi José I. S’en suivront donc 7 années de guerre, que l’on connait sous le nom de Guerre d’Indépendance Espagnole (1808-1814).

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La première peinture représente le soulèvement du peuple espagnol à Madrid. Les patriotes Espagnols s’opposent aux mamelouks de la garde impériale française à cheval. Le grand nombre de personnage dans la scène provoque une impression de confusion chez le spectateur. Goya a su retranscrire la violence de l’affrontement par la présence de cadavres au sol et cette multiplicité de personnages qui se battent.

La seconde peinture fait référence aux évènements de la nuit du 2 au 3 mai 1808, nuit pendant laquelle les insurgés Espagnols capturés lors du soulèvement seront fusillés. Encore une fois, Goya a voulu dénoncer cette violence de la guerre, montrant d’un côté les soldats parfaitement alignés, prêts à tirer, et de l’autre les mutins espagnols et les cadavres de leurs congénères. La peur des Espagnols se lit sur leurs visages.

Tout comme avec ses Desastres de la Guerra, Goya a voulu dénoncer un évènement “singulier”⁵ pour en faire une critique “universelle” de la guerre. Ces deux œuvres en sont d’autant plus impressionnantes que leur taille est monumentale⁶.

Quelques liens utiles sur Goya et son œuvre

Goya est considéré comme l’un des peintres espagnols les plus importants de son époque. Aujourd’hui encore, ses œuvres fascinent les critiques et les spécialistes. Par ailleurs, il possède sa propre entrée sur le site de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, et une grande partie de sa production est également accessible sur le site internet du Museo del Prado à Madrid, œuvres qui sont aussi disponibles sur le site de la Fundación Goya en Aragón. En ce qui concerne le personnage en lui-même, il est possible de trouver des informations sur sa vie sur le site de la Real Academia de la Historia ou encore sur le site de Artehistoria.

1. Carlos III était un roi intéressé par l’art en général ; il a d’ailleurs encouragé le développement de l’art et de l’artisanat pendant son règne, comme par exemple quand il crée la Fabrique Royale de Porcelaine du Buen Retiro, active de 1759 à 1812 [↩]
2. Goya tenait une espèce de “journal intime” où il conservait les dessins qu’il ne pouvait pas exposer à la vue de tous, et c’est justement dans cette “collection privée” que l’on retrouve de nombreux dessins à ce sujet [↩]
3. On observera une évolution de la manière de représenter le pouvoir avec l’arrivée des Bourbons en Espagne. On constate en effet une rupture avec la sobriété de l’époque Asturienne: cette nouvelle exubérance, avec des couleurs vives et de longs et épais manteaux est importée de la France (cf. le Portrait de Louis XIV en costume de sacre par Hyacinthe Rigaud). [↩]
4. Elles sont généralement exposées côte à côte, et reproduisent le même “schéma”, c’est-à-dire que les deux personnages représentés gardent à peu près la même posture, sont placés devant le même type de paysage… [↩]
5. Singulier dans le sens où il s’agit d’un évènement précis, sur une période définie et concernant un pays [↩]
6. 268,5 × 374,5 cm pour le premier et 268 x 347 cm pour le deuxième [↩]

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